Colección Magdalena de Cueva - Quito

Contra toda opinión, no son los pintores
sino los espectadores quienes hacen los cuadros.
Marcel Duchamp.

De Peter Alechinsky a Oswaldo Guayasamín, pasando por Roland Topor y Gonzalo Endara Crow, un recorrido por parte de lo más interesante del arte plástico ecuatoriano, latinoamericano y mundial del siglo XX.

Compuesta de óleos, grabados, litografías, dibujos y obras de muy variada técnica, la colección hecha durante décadas por Magdalena y Juan Cueva, que se encuentra en su residencia en Quito, se expone aquí, con fotografías de François "Coco" Laso.

Este blog será alimentado, actualizado y completado con antiguedades, platería, objetos y esculturas, además de otras pinturas y cuadros de artistas de la talla de Marcos Huerta, Antonio Saura y Alberto Gironella, pero sobre todo de artistas ecuatorianos como Eduardo Kingman, Oswaldo Viteri, Pilar Bustos y Luis Molinari, entre otros.

Contacto
juanmartincueva@hotmail.com

Alberto Coloma Silva

Sin Título

Sin Fecha

Oleo sobre tela, 57 X 53 cm.

ALBERTO COLOMA SILVA

Nació en Quito el 8 de Agosto de 1.898. En 1.916 ingresa a la Escuela de Bellas Artes, donde recibió la influencia del Profesor Luigi Casadío.

En 1.920 presentó a la Exposición del Centenario de la independencia de Guayaquil un torso de hombre que obtuvo el Primer Premio consistente en dos mil dólares, con lo cual emprendió viaje a Europa. Estuvo en París, pasó a Madrid y en 1.922 obtuvo una beca del Rey Alfonso XIII para los Cursos de pintura y escultura en la Academia de San Fernando.

El 26 logró el Primer Premio en Estética, galardón que discernía anualmente la Academia Real de Granada y consistía en una temporada en el palacio de la Alhambra, entonces trató al maestro Manuel de Falla. En Diciembre presentó en el Salón de Otoño de Lisboa el cuadro "La Gitana con la rosa" dentro de un expresionismo vigoroso que singularizó esta primera etapa de su arte.

Del 27 y el 36 radicó en París ganándose la vida con retratos. Comenzó a utilizar colores planos y sobrios dentro de una simplicidad que no carece de fuerza y atracción. El 28 expuso en la Galería Zark de París . El 41 volvió a Quito huyendo de los horrores de la II Guerra Mundial.

Su regreso fue aparatoso y sin embargo le sirvió de mucho en su arte; pues, instalado en el convento de San Francisco gracias a la generosa acogida que recibió de esos padres, pintó temas y retratos religiosos que testimoniaron su maestría y causaron el asombro de la época como "Nuestra señora de Quito" imitativa de aquellas tallas coloniales de Legarda tan llenas de movimiento, luz y color y el "Retrato del padre Diego". Acabado con veladuras de pasta seca contra un abigarrado fondo quiteño. Ambas obras se encuentran actualmente en el Museo de la Casa de la Cultura. También es de esa época el retrato de su amigo el gran poeta Alfredo Gangotena.

El 45 volvió a París y contrajo matrimonio con Florence Nolthier, francesa inteligente y solidaria aunque muy menor a él. Vivieron en diversas ciudades del mundo tales como Roma, Otawa, New York, de allí que su arte se tornó cosmopolita y con tanta naturalidad pintaba saltimbanquis a lo Picasso como motivos netamente ecuatorianos.

El 51 se presentó en la I Bienal Iberoamericana de Arte celebrada en Madrid y fue premiado en el V Salón de Pintura de la Casa de la Cultura.

El 54 expuso en la Galería André Weil de París. El Museo de Arte Moderno de esa capital compró una de sus obras titulada "Paisaje de Capri". Fue el cuarto pintor latinoamericano en merecer dicho honor. El 55 ganó el Premio del Concurso "Paisaje italiano visto por los artistas extranjeros". El 59 se presentó en una Muestra Colectiva en la Biblioteca Luis Ángel Arango de Bogotá, con Eduardo Kingman, José Enrique Guerrero y Luis Moscoso Vega.

A principios de Abril de 1.976 fue aquejado de una bronconeumonía, y el 20 de Abril, mientras realizaba el boceto de un cuadro que pensaba titular "Venecia", falleció repentinamente de un paro cardiaco. Tenía casi 78 años de edad. En 1.982 se realizó una Muestra retrospectiva muy completa de lo suyo en el Museo Camilo Egas y el 83 en el de la Casa de la Cultura de Quito.

Araceli Gilbert

Diagonal III
Grabado (131/160)
Sin fecha
52X49 cm

Araceli Gilbert es la pintora ecuatoriana más importante del siglo XX. Junto a Manuel Rendón, ha sido responsable de la introducción del arte no figurativo en el Ecuador.

Nace en Guayaquil en 1913. En 1936 entra a la Academia de Bellas Artes de Santiago de Chile. Luego vuelve a Guayaquil en 1942 y estudia en la escuela de Bellas Artes de Guayaquil. Aprende las formas del expresionismo europeo y las obras que datan de este período muestran a una Araceli cautelosamente inclinada hacia el figurativismo.

En 1943 gana un triple premio en Pintura, Escultura y Disertación sobre Historia del Arte, otorgado por su academia. Poco después se radica en Nueva York, estudia en la Ozenfant Art School. Al terminarse la Segunda Guerra Mundial, vuelve al Ecuador. Al poco tiempo se muda a vivir en Quito y luego viaja a Paris. Se pone en contacto con August Herbin, quien en el año 1931 había fundado el Grupo Abstration-Creation. Participa en la Antibienal Hispanoamericana organizada por Pablo Picasso, además de otras muestras colectivas como el Salon de Réalités Nouvelles.
En 1954 presenta una muestra individual en la Galería Arnaud de Paris con un álbum de litografías y prólogo de Leon Dégand. En 1955 regresa de París y se une en matrimonio a Rolf Blomberg, el afamado escritor, fotógrafo y descubridor sueco. En 1960 gana el segundo premio en el Salón de Octubre de Guayaquil y al año siguiente gana el primer premio en el Salón Mariano Aguilera en Quito. A partir de esta época el estilo de Araceli se consolida y llega a su esplendor. Realiza múltiples exposiciones individuales y participa en las muestras colectivas de mayor trascendencia en el país. Representa al Ecuador en la Bienal de Sao Paulo, en la Bienal de La Habana y en la Bienal de Coltéjer en Medellín. En 1989 el gobierno le otorga el Premio Nacional de Cultura Eugenio Espejo. Muere en Quito el 17 de febrero de 1993.

José Carreño

Sin título
Óleo sobre tela

81 x 65,5 cm

Guayaquil (1947) Completa el grupo de los grandes pintores guayaquileños del feísmo, llegamos muy pronto a lo mágico. Ya para 1970 sus figuras -de rasgos feístas- se sumergen en un mundo mágico de entraña americana. Viaja a París (1974) y se queda allí. Hace inquieta obra experimental de respuesta a incitaciones europeas -colages con carteles arrancados del metro-, pero sobre aquello flotan sus pájaros mágicos. Es el amerindio imponiendo su sello mágico-mítico sobre los mensajes de la sociedad de consumo.

Termina pintando, en óleos de excelente factura, fastuosos pájaros -que recuerdan formas de Lam- y otras extrañas criaturas. Y hace un dibujo de vigoroso grotesco y un grabado de sutiles calidades. Hace su arribo a lo mágico sin perder nunca empaque feísta...

Fuente: Hernán Rodríguez Castelo, "Panorama del Arte", Biblioteca Ecuatoriana de la Familia, No. 9, Ministerio de Educación y Cultura del Ecuador, Edit. Corporación Editora Nacional, Casa de la Cultura Ecuatoriana, Editorial El Conejo

Jan Schreuder

Desnudo femenino

Carboncillo sobre papel

Sin fecha (siglo XX)

58,5X84 cm

Nació en La Haya, Holanda, en l904. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de su ciudad natal. En l930 viajó a Madrid a seguir cursos en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Durante la Guerra Civil española conoció a una enfermera irlandesa que trabajaba en el frente de los Republicanos y contrajo matrimonio. En 1939 salieron para los Estados Unidos. En l945 arribaron a Quito, siendo Jan contratado como cartógrafo dibujante por la compañía Shell, cuando ésta empresa buscaba petróleo. E n 1950 expuso en el Museo de Arte Colonial de Quito una muestra muy variada, conteniendo óleos, acuarelas, tintas y ducos.

Más tarde, como Director artístico del taller de Artes Industriales del Instituto Ecuatoriano de Antropología, desempeñó la labor de mentor en un programa de ayuda técnica a los tejedores indígenas Salasacas, quienes tenían una larga tradición en el dibujo positivo negativo.

Existió un período de un año en su vida en que solo dibujó y cuando retornó al óleo su pintura fue semiabstracta y finalmente abstracta pura. En l960 viajó con su esposa a España, donde trabajó una serie de composiciones ricas en materias sobre una base de arena y otros materiales. En 1961 presentó una muestra individual en Washington. Falleció en l.964.
 
(Texto de Rodolfo Pérez Pimentel)

Antonio Saura

Melanchton II
Litografía original firmada
Prueba de artista
1988
65X52 cm

Antonio Saura nace en Huesca en 1930 y muere en Cuenca en 1998. Empieza a pintar y a escribir en Madrid, en 1947, mientras se recupera de una tuberculosis. Primera estancia en París en 1952. Segundo período en París entre 1954 y 1955 durante el cual conoce a Benjamin Péret y frecuenta al grupo de los surrealistas. Emplea entonces la técnica del grattage, adopta un estilo gestual y una pintura radicalmente abstracta, colorista, de concepción orgánica y aleatoria. Empieza a pintar ocupando el espacio del lienzo de varias y muy diversas maneras, creando estructuras formales propias que no dejará de desarrollar.

En 1957 funda en Madrid el grupo El Paso, que dirigirá hasta su disolución en 1960. A partir de 1959 se dedica a una prolífica obra gráfica. En 1960 empieza a esculpir y realiza obras compuestas con elementos de metal soldado que representan la figura humana, personajes y crucifixiones. En 1967 se instala definitivamente en París; se implica en la oposición a la dictadura franquista y participa en numerosos debates y polémicas en los ámbitos de la política, la estética y la creación artística. En 1971 abandona la pintura sobre lienzo, que retomará en 1979, para dedicarse a la escritura, el dibujo y la pintura sobre papel.

Omar Rayo

“Yo soy blanco y negro

soy una estructura de luz y sombra”

Omar Rayo

Tiranía de la lógica
Técnica: intaglio *
Prueba de Artista, aprox 1990
74X50 cm

Nació en 1928 en Colombia, inició su carrera artistica en 1947, dibujando e ilustrando para los periódicos y revistas de Bogotá. Entre 1948 y 1954, exhibió varias veces sus obras en Bogotá y en otras ciudades de Colombia. En 1954 comenzó a viajar para estudiar en todos los países de América Latina. Vivió en México de 1959 a 1960 y vive en Nueva York desde entonces. En 1981 estableció el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en Roldanillo (Valle) y en 1983 inauguró el proyecto "Arte Vial" con artistas internacionales entre Roldanillo y Zarzal.

De 1946 a 1954 expuso en Colombia y desde este año hasta 1958, hizo un extenso viaje de estudio por toda América Latina. o Entre 1959 y 1986 vivió y trabajó en México y Nueva York. 

* La técnica del intaglio.

De origen italiano el intaglio es una palabra genérica para denominar a todo tipo de grabado que deja huella en el papel. Existen otras clases de grabados que no imprimen relieve como la litografía y la serigrafía. La obra de rayo es, como él mismo dice, más que un intaglio. Es un repujado para el cual requiere de un papel especialísimo, el arches, que importa de una fábrica francesa. Para Rayo el papel en sí es una obra de arte para exhibir.

Los intaglios de Omar Rayo se expusieron por primera vez alrededor de los años 60 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, desde entonces hasta hoy ha recorrido un largo camino.

Gina Pellón

Sin títuloLitografía original firmada
Prueba de artista, Aprox 1990
75X54 cm

Nació en 1926 en Cienfuegos, Cuba, y actualmente reside en París. Se exiló en Francia en 1959, y en 1960 realizó su primera muestra individual en la Klute Gallery de Lucerna, Suiza, y a partir de ese momento expuso sus obras cada año. Gina Pellón ha realizado más de un centenar de exposiciones en ciudades de diversos países, como Suiza, Holanda, Bélgica, Venezuela, Dinamarca, Estados Unidos, Francia, Colombia, México, Puerto Rico, España y Alemania.

Expuso en importantes museos y galerías del mundo y fue invitada para mostrar sus óleos en diversos homenajes y muestras de arte latinoamericano. Participó en ferias de arte internacionales como Art Miami y la FIAC de París.Sus obras están representadas en la Florida por The Americas Collection.Tenía una fuerte relación con los artistas del movimiento CoBrA y la inspiración de éste se ve en sus retratos de mujeres.

Luis Molinari

Múltiple percepción vectorial
Óleo sobre tela
1974
120X120 cm

Nacido en Guayaquil en 1929 - Fallecido en Quito en 1994. Molinari empezó su carrera explorando el formalismo, hasta que descubre el trabajo de Vasarely y se inspira de sus formas geométricas y de sus ricos efectos ópticos.

Entre 1951 y 1960, vive en Buenos Aires. En 1960, Molinari viajó a París, donde comenzó a trabajar con el Groupe de Recherces d'Arts Visuels. Vive en Francia hasta 1966. En 1963, Molinari expuso su pintura La Cuna de Mangle en la Bienal de París en el Museo de Arte Moderno. En 1964 hizo un viaje de dos meses a los Estados Unidos para estudiar las obras de los museos de las principales ciudades de EE.UU. Intrigado por el arte pop en Estados Unidos, vio sus posibilidades infinitas.

Sin título
Litografía
1969
48 x 48 cm

En 1966, Molinari regresa a Guayaquil y se recontacta con Enrique Tábara , Aníbal Villacís, Leon Ricuarte, Gilberto Almeida, Oswaldo Moerno y Guillermo Munoz Mariño con quienes trabaja en el grupo VAN(Vanguardia Artistica Nacional). Dos años más tarde, en 1968, se muda a Nueva York donde vive siete años. Se fascinó con la geometría óptica de Vasarely. Pero al poco tiempo su propio estilo, inspirado en el de su compatriota Tábara, funde la naturaleza tropical de su ciudad natal con la geometría constructivista informal. Más tarde comenzó a centrarse en los efectos ópticos y geométricos de cambiantes perspectivas. Comenzó estudios intensos de teoría del color.

Al igual que otros informalistas VAN, Molinari ha procurado honrar la historia de su patria con un homenaje a la arquitectura precolombina, como se ve en su pintura de 1974, el templo de las monjas-Uxmal.

Roberto Matta

La vitesse du sort
Litografía original firmada
94/100, 1979
72X49 cm

Santiago, 1911 - San Paolo de Civitavecchia, Italia, 2002. Pintor chileno, figura señera del arte pictórico chileno del siglo XX, perteneciente a la Generación del 40. 

Estudió arquitectura en Santiago hasta 1931. Poco después viajó a París, donde trabajó con Le Corbusier (1934), pero no tardó demasiado en abandonar la arquitectura para dedicarse en exclusiva al arte pictórico.

En 1937, después de trabajar en Londres junto con Walter Gropius y Moholy-Nagy, conoció a André Breton, a través de Federico García Lorca y Salvador Dalí, y abrazó la estética surrealista (1937). Pronto pintó sus Morfologías psicológicas (1938-1939), en las que se entregó a la exploración del inconsciente y al "automatismo absoluto". 

El estallido de la Segunda Guerra Mundial lo llevó a emigrar a Estados Unidos. En 1939 viajó a Nueva York, ciudad donde realizó su primera exposición individual y residió hasta 1948. Por ello es reconocido como el introductor del surrealismo no sólo en la plástica chilena, sino también en la de Estados Unidos. La fuerza de Los grandes transparentes (1942) impulsó a Breton a que le ilustrara el último manifiesto surrealista. 

Tras ser expulsado del grupo surrealista y excluido de la Escuela de Nueva York, se trasladó a Roma, donde entró en contacto con jóvenes artistas desconocidos y expuso con Asger Jorn y los situacionistas. En la década de 1950 asumió posiciones de izquierda, denunció en sus obras la tortura, la injusticia y la guerra del Vietnam y defendió la causa de Fidel Castro en Cuba. 

En esa misma época realizó la serie sobre América Amaneceres, con obras como Nacimiento de América en la que reflejó esa honda inquietud americanista. En 1956 pintó para la Unesco el mural La duda de los tres mundos (1956). A comienzos de la década de 1970 regresó a su país invitado por Salvador Allende, y trabajó en los murales colectivos con la Brigada Ramona Parra. En 1973 participó en una exposición en Bolonia (Italia) en protesta contra el régimen de Augusto Pinochet, con la obra La vida Allende la muerte. 


De sus numerosas exposiciones destacan la del Museo de Arte Moderno de Nueva York (1953) y la del Instituto Contemporáneo de Boston. Recibió, entre otros reconocimientos, la Medalla de Oro de las Bellas Artes Españolas (1985); el Premio Príncipe de Asturias (1992), en España; el Premio Herbert Baeckl (1992), en Austria, y el Premio Nacional de Arte (1990), en Chile. Paralelamente a su actividad pictórica, Matta experimentó con diversos medios altamente tecnificados de creación, como la fotografía o el vídeo.

Wilfredo Lam

Sin títuloLitografía original firmada
95/150
Sin fecha
73X101 cm

Wifredo Óscar de la Concepción Lam y Castilla (Sagua la Grande, Cuba, 1902 - París, 1982) era hijo de un padre chino y una madre con mestizaje africano, indio y europeo. En 1916, su familia se mudó a La Habana, donde realizó estudios en la Escuela de Bellas Artes. En 1923, Lam se trasladó a Madrid donde estudió en el taller de Fernando Álvarez de Sotomayor, Director del Museo del Prado y reconocido por haber sido maestro de Salvador Dalí.
 

A comienzos del 1930, la influencia surrealista era evidente en los trabajos de Lam así como la de Henri Matisse, y posiblemente la de de Joaquín Torres-García. En 1936, al visitar una exposición de Pablo Picasso se sintió fuertemente atraído hacia él tanto artística como políticamente. En 1938, se fue a vivir a París, donde el propio Picasso lo tomó bajo su tutela y alimentó su interés por el arte africano y máscaras primitivistas. En ese mismo año, viajó a México donde permaneció con Frida Kahlo y Diego Rivera.
 

Sin título
Litografía original firmada
Prueba de Artista
Sin fecha
74X54 cm

 

La variada herencia multicultural de Lam así como su relación con la Santería, se manifiesta extensamente en la obra del artista.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Lam vivió la mayor parte del tiempo en el Caribe, junto con Claude Lévi-Strauss, André Masson, y André Breton, cuyo poema Fata Morgana, Lam ilustró en el 1940. En 1942, comenzó su importante obra "La Jungla".

Entre 1942 y 1950, realizó exposiciones regulares en el Pierre Matisse Gallery de Nueva York. Después de una breve estancia en Haití, Lam regresó a Francia. Viajó intensamente durante los años siguientes y en 1960, se estableció en la costa italiana. Recibió numerosos premios y reconocimientos. Sus obras se encuentran en los principales museos del mundo.

Alberto Guzmán

Sin título
Grabado intervenido con acuarela
Sin fecha
46X35 cm

El escultor y artista plástico peruano Alberto Guzmán (Vichayal, 1927), en París desde 1959, utilizó el bronce pulido, el acero soldado y el aluminio en la serie de esculturas Tensiones, para plasmar su preocupación por el estado crítico del mundo en las décadas de los sesenta y los setenta. Adoptó el mármol de Carrara para esculpir una serie de Estelas transparentes, evocaciones estilizadas de monolitos precolombinos. Guzmán se interesó en dar forma al mármol por la posibilidad de obtener la transparencia, como un intento de la integración del espacio en la escultura. No un espacio que envuelva a la obra de arte como un estuche, sino que haya una relación de interpenetración entre ambos.

Sin título
Grabado intervenido con acuarela
Sin fecha
45X43 cm


Sin fecha
Grabado intervenido con acuarela
75X105 cm

Sin título

Grabado intervenido con acuarela
Sin fecha
39X36 cm

Señalemos su intención de poner al desnudo los defectos internos del mármol, resultado natural de la actividad telúrica del pasado terrestre. Cultiva la mise-en-scène, la escenificación, relacionada con el movimiento e invitando al espectador a participar en ese juego de la obra de arte con la realidad. Un hueco en una escultura esquimal —según el artista— o en una obra de Henri Moore no está fuera de la escultura sino que forma parte de ella.

Siempre vio en el mármol las soluciones a un volumen cerrado, a la manera del francés Jean Arp o a la del escultor francés de origen rumano, Constantin Brancusi, como un volumen cerrado que tenía la cualidad de penetrar en el espacio. El crítico francés Patrick-Gilles Persin escribió: «Hoy, sus formas esculpidas adoptan aspectos monolíticos que se juntan a ciertos resurgimientos arqueológicos, parecen ser bloques redondeados con huellas singulares que se abren hacia diversas búsquedas…».

Sin títuloGrabado intervenido con acuarela
Sin fecha
45X43 cm

Alberto Gironella

Sin título

Litografía original firmada

Prueba de Artista, 1975

76X54 cm

Pintor mexicano de padre catalán y madre originaria de Mérida, nació el 26 de septiembre de 1929 en la Ciudad de México y murió en la misma el 2 de agosto de 1999. Fue considerado como uno de los exponentes de La Ruptura.

En su juventud comenzó a escribir poesía, pero después abandonó sus estudios de letras hispánicas y se dedicó de lleno a la pintura. Su primera exposición la realizó en 1952, y a lo largo de su vida su obra se exhibió en museos y galerías de Alemania, Argentina, Brasil, Estados Unidos, España, Francia, Japón, Suecia y Suiza. En México fueron recinto de sus obras el Palacio de Bellas Artes, y los museos de Arte Moderno, Nacional de Arte, Carrillo Gil y Rufino Tamayo. Ilustró asimismo el libro Terra Nostra de Carlos Fuentes. Ganó en 1959 el primer premio de la Unión Mediterránea de Arte en la Bienal de Jóvenes (París) así como el primer premio de la VI Bienal de Sao Paulo, Brasil.

Se especializó sobre todo en el collage. Para sus obras tuvo inspiraciones tan disímiles como el caudillo de la Revolución mexicana Emiliano Zapata, la cantante Madonna, el cineasta Luis Buñuel y el filósofo Nietzsche. Residió en San Ángel en la Ciudad de México y en una casa en Valle de Bravo conocida después como la Casa de Gironella.

A los pocos meses de su muerte, la actriz Ofelia Medina le ofreció un homenaje en el Festival de las Almas en Valle de Bravo, esparciendo parte de sus cenizas en el lago, en una ceremonia nocturna, apropiadamente como parte de las conmemoraciones del Día de Muertos, el 2 de noviembre de 1999.

Gonzalo Endara Crow

Nacimiento
Óleo sobre tela
1974
69X89 cm

Nacido en Bucay, provincia del Guayas, en 1936, y fallecido en Quito en abril de 1996. Ingresó tarde, en 1971, a la Escuela de Artes de la Universidad Central; pero no aceptó las obligaciones académicas y se retiró sin lograr ningún título, para dedicarse por su cuenta a buscar nuevas formas y colores que colmaran sus conceptos pictóricos.

Cinco años más tarde su nombre ya se pronunciaba en las principales salas de arte y su fama crecía al amparo de la policromía de sus maravillosos colores. Brotaron entonces, de su imaginación y fantasía sin límites, obras de inigualable colorido que vendrían a revolucionar los conceptos del arte ecuatoriano.

En la línea del realismo maravilloso americano, cuya tarea es rasgar capas de epidermis para develar sueños, miedos, ilusiones, obscuras confabulaciones compensatorias o premonitorias. Endara Crow es una suerte de mago que en el yermo de lo cotidiano hace brotar globos de colores luminosos, hombres con alas, huevos gigantescos y extrañas aves violetas, caballos azules, rubicundas manzanas anunciadoras de prosperidad, enormes campanas milenariamente perdidas, trenes que llegan trayendo descomunales peces o que cruzan cielos límpidos entre brillantes nevados, arcoiris de los cuales las gentes pueden llevarse a casa un pedazo…” (Hernán Rodríguez Castelo.- El Siglo XX en las Artes Visuales de Ecuador, Banco Central de Guayaquil).

Sin título
Óleo sobre madera
1974
70,5 X 70,5 cm

Para 1980 ya había alcanzado la consagración definitiva, y su obra se exhibía en las principales galerías, no solo del Ecuador, sino de América y Europa. Esa obra le abrió las puertas de Europa donde fue acogido con emocionado entusiasmo en los prestigiosos círculos naif de Suiza, donde en 1982 fue designado miembro del grupo “Henry Rousseau” y obtuvo la Medalla de Plata del “Premio Suizo de Pintura Naif Internacional”; y de Yugoslavia, donde obtuvo la Medalla de Plata en el XVI Congreso de Artistas Naives, en Trobnje. De igual manera su obra fue solicitada en las principales capitales de Latinoamérica, y en 1984 obtuvo el Primer Premio del Público en la Primera Bienal de La Habana, Cuba.

José Luis Cuevas

“Una risa,

Como un aullido

Desde el fondo del tiempo

Desde el fondo del niño

Cada día

José Luis dibuja nuestra herida”Octavio Paz

Totalidad y fragmento

La renardièreLitografía original firmada
Prueba de Artista, 1976
90x63 cm

Nació el 26 de febrero de 1934 en la Ciudad de México. Su formación artística es prácticamente autodidacta. Ha sido una de las principales figuras de la “generación de ruptura” con el muralismo mexicano y uno de los más destacados representantes del neofigurativismo. Es dibujante, grabador, escultor e ilustrador. Mediante el trabajo con la línea ­de gran ferocidad gestual­ desnuda las almas de sus personajes retratando la magnificencia de la degradación humana en el mundo de la prostitución y el despotismo. Antes de cumplir los 10 años, Cuevas se inscribe como alumno irregular a la Escuela de la Esmeralda; continúa su formación artística en el México City Collage, tomando clases de grabado con Lola Cueto.

A mediados de la década de los 50, la obra de Cuevas empieza a ser reconocida por coleccionistas y críticos especializados. Expone en la Unión Panamericana (Washington, DC) y realiza constantes exposiciones en Estados Unidos, México, el resto de Latinoamérica y en Europa, incluso en la Galería Edouar Loeb de París,

Pablo Picasso compra obra de Cuevas.

Su intención inicial era mostrar la angustia y la soledad del hombre y eligió para ello las escenas que encontró en hospitales y prostíbulos; sus modelos fueron y siguen siendo la prostituta, el pordiosero, el loco y el enfermo. A pesar de la recurrencia de los temas, de Cuevas se puede decir que en su obra existen diferentes variantes protagonizados por seres deformes, bellas imágenes de personajes casi monstruosos.

Judith Gutiérrez

Sin título
sin fecha
65X50 cm
Babahoyo, 1927, México, 2003.

Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Guayaquil con el maestro César Andrade Faini. Residió gran parte de su vida en México. El trabajo de la artista se desarrolló dentro de la figuración, utilizando símbolos, escenas místicas y elementos oníricos conjugados en un estilo que se aproxima al naif y con algunos rasgos bizantinos (“bizantino tropical” como lo sugeriría un crítico de la época): naturaleza, hombres, mujeres, el cosmos, son en general componentes de sus obras.

Entre sus obras más destacadas están: “Bailarina memoria de la artista”, “Libro para ciegos” y “El Cristo de Santa Elena”.

Gilberto Almeida

"Vieja"
Cera sobre papel
1974
98 X 66 cm

El Maestro Almeida (Ibarra, 1928) es un pintor y excepcional dibujante que ha ganado varios premios nacionales, ha realizado múltiples exposiciones dentro y fuera del país, es uno de los pintores prominentes del Ecuador, que ha experimentado con materiales diversos.

Las motivaciones plásticas de Almeida circundan variadas preocupaciones de un ser sensible y sensitivo que ha forjado un arte pictórico auténtico. Se trata de una obra veraz, sencilla, profunda, en la que la capacidad de acercamiento con los espectadores es excepcional.

Carlos Gonzalez

Sin título
Óleo sobre tela
71 x 56 cm

Voroshilov Bazante

Ciudad
Pastel
1983
72X52 cm

(Ambato, 1939) tras haber captado ciudades en composiciones exactas de un trazo libre y rico y haber pintado delirantes escenas con caballos y mujeres, dejó desbordarse una volcánica vitalidad en trazos de color rico y sustancia ligera que unían a la espontaneidad del automatismo... Con esta gestualidad captó ciudades en su esencia abstracta, y terminó dando a sus trazos caracteres caligráficos y sígnicos.

Alfonso Bonifacio

Patatas
 Litografía original firmada
Prueba de artista
1978
77X53 cm

San Sebastian, 1933. Consagrado artista grafico y pintor español cuyas obras cuelgan en las paredes algunos de los mas prestigiosos museos nacionales e internacionales.

En sus obras predomina la linea y el color, en una mezcla de surrealismo y expresionismo. Del surrealismo coge el automatismo, mientras que del expresionismo rescata las armonias cromaticas y el ritmo en la obra.

Pilar Bustos

Sin título
Díptico Tinta sobre papel
1995
2X 75,5X55,5 cm

Nace en Quito en 1945 y después de residir en La Habana, Santiago de Chile y de estadías más cortas en otras ciudades, regresa a vivir en Quito. Estudia arte en Cubanacán, Cuba. Gana diversos premios en Cuba y México. Expone en el Consejo Nacional de Cultura, Cuba (1965); la galería Orfila, España (1985); y la Galerie Nesle, Francia (1996), entre otras. Es profesora de arte en universidades ecuatorianas. Ha ilustrado libros y revistas y cuenta con un mural en el Museo Antropológico del Banco Central en Guayaquil, Ecuador.

Leonardo Tejada

Sin título
Tinta sobre papel

Sin fecha (años 1970)
65 X 74 cm

(Latacunga, 1908) Estudio en una escuela de los Hermanos Cristianos y cuando vino a Quito ingresó en la Escuela de Bellas Artes en 1923. Es uno de los artistas más importantes de la plástica ecuatoriana de este siglo; uno de los de trayectoria más sostenida, más inquieta y más lúcida. Participó decididamente en los comienzos del Realismo Social con óleo y acuarela.

En su óleo, sobre todo, trató el tema de nuestro hombre de la tierra con gran fuerza: "Madre india" -con manos y pies enormes y cabeza que sugiere penosas insuficiencias mentales-y "Festival indio" -recomendado por el jurado del Salón Nacional de 1946-. Entre 1952 y 1961 el folclor enriquece su expresión y le abre nuevos caminos. Pasa de una recuperación anecdótica del motivo folclórico a interpretaciones mágicas, de gran poder visual.

Edgar Carrasco

Sin título 
Óxido sobre metal
2009
53 X 32 cm

(Cuenca, 1946) arranca al metal-cobre, alguna vez latón- extraños colores por acidación o fuego, y golpeando, rayando o raspando completa espléndidos efectos visuales. Con esa técnica -siempre enriquecida por encaprichada experimentación- pasa de una figuración reducida a símbolos nostálgicos a un abstracto poderoso... y a grandes espacios desnudos donde estallan grandes trazos gestuales.

Fuente: Hernán Rodríguez Castelo, "Panorama del Arte", Biblioteca Ecuatoriana de la Familia, No. 9, Ministerio de Educación y Cultura del Ecuador, Edit. Corporación Editora Nacional, Casa de la Cultura Ecuatoriana, Editorial El Conejo.

Los cuadros de Edgar Carrasco son una averiguación a fondo del material de sus amores, el cobre... ha construido una de las propuestas visuales más personales y seductoras de las últimas décadas. Carrasco es un excelente dibujante... pinta, graba, realiza objetos, rastrea con sus manos ávidas... en los intersticios del quehacer pictórico, ... lo suyo es el cobre, con él ha erigido un universo precioso y hondo, cargado de ideas, visiones y fulgores inusitados, en el cual no sabemos qué admirar más, si sus cambiantes gamas de sepias, ocres, verdes y rojos, o esa luz insobornable que nos internaliza en su misterio. El abstracto de Edgar Carrasco se muestra poderoso, consistente. Carrasco jamás se ha represado ni ha hecho concesiones. Su arte es intrépido, airoso, innovativo... Tiene la luz en sus manos y con ella va levantando una de las obras más propositivas de nuestras artes visuales..."

Nota: Obra "Profundidad", 2001, Técnica Mixta / cobre, 94 x 114 cmFuente: Marco Antonio Rodríguez, Palabra e Imagen, Tomo III, Quito, 2001

Marcos Huerta

El dibujo es, esencialmente, el origen de todas las artes plásticas.
Marcos Huerta

Sin título
Litografía original firmada
Prueba de autor
1978
70X53 cm

Nació en México en 1939 y falleció en 2003, también en México. Estudió en la Academia de San Carlos. En 1967 tuvo su primera exposición. De 1976 a 1979 vivió en Europa, en donde expuso en distintas capitales. En 1980 se estableció en Guadalajara, donde formó parte del Centro de Arte Moderno.

“Creo, porque mi trabajo así me lo ha enseñado, que un dibujo puede ser una obra totalmente terminada en sí misma”, afirmó este artista cuando presentó una gran exposición retrospectiva de su obra en el Instituto Cultural Cabañas, en diciembre de 2001.

Huerta definía su obra como “figurativa expresionista”, aunque muchos críticos la relacionaban con el realismo fantástico. “En mis cuadros el hombre aparece asociado con algunos animales como peces y pájaros, y eso significa lo racional enfrentado a lo irracional”.

Cuando realizó la exposición en el Cabañas, Huerta afirmó: “hoy en día un dibujo mío, un cuadro mío es reconocible, y eso me da miedo porque siempre me preocupa que mi propio estilo me aprisione y no me permita evolucionar, buscar otras formas de expresión”.

Roland Topor

Sin título
Litografía original firmada
Prueba de Artista
60X47 cm

París, 1938 - París, 1997. Fue un ilustrador, dibujante, pintor, escritor y cineasta francés conocido por el carácter surrealista y voluntario de sus obras. Perteneció al Grupo Pánico, junto a Alejandro Jodorowsky y Fernando Arrabal. Sus obras se caracterizan por un marcado humor negro y una idiosincrasia surrealista. Su novela El quimérico inquilino fue llevada al cine por Roman Polanski.

Pasó sus primeros años en París, en la rue Corbeau (hoy rue Jacques-Louvel-Tessier) del 10 distrito; luego en Saboya, donde junto a sus padres, inmigrantes judíos polacos, se ocultaron durante la ocupación nazi.

Estudió en la Escuela de las Bellas Artes de París, colaboró en el periódico Hara-Kiri y compartió su sentido del humor negro, decapante y cínico, pero también una vena más rosa, en la revista Elle.

Fue un autor de teatro, original y poderoso. Vinci tenía razón fue una obra que creó un escándalo inmenso en Bélgica en el momento de su creación. Trabajó muchas veces con su amigo Jérôme Savary en Las Aventuras de Zartan o De Moisés a Mao y creó en 1992, Ubú rey en el teatro nacional de Chaillot, en París.

Roland Topor deja una obra abundante, original y a menudo genial, a la cual tiempo no embotó la virulencia.

Sin título 
Litografía original firmada
Prueba de Artista
66X49 cm
 

Sin título
 Litografía original firmada
Prueba de Artista
65X48 cm

Pierre Alechinsky

Sin títuloLitografía original firmada
Prueba de Artista, sin fecha
64X48 cm

Nace en Bruselas, en 1927. Es un pintor y grabador belga cuya obra reúne características del expresionismo y el surrealismo. De 1944 a 1948, Alechinsky estudia en la École Nationale Superieure d´Architecture et des Arts Décoratifs de la Cambre en Bruselas, mostrando especial interés por las técnicas de ilustración de libros y tipografía. Durante esta época descubre la obra de Henri Michaux, de Jean Dubuffet y de los surrealistas.

Sin título
Litografía original firmada
Prueba de Artista, sin fecha
65X48 cm

Comienza a pintar en 1947, y en 1949 de une al grupo CoBrA. Participa en la primera exposición internacional del grupo en Ámsterdam. Se traslada a París en 1951, donde estudia técnicas de grabado, entrando en contacto con varios surrealistas, conociendo a Alberto Giacometti, Bram van Velde, Victor Brauner y al caligrafista japonés Shiryu Morita. Es asimismo en París donde presenta su primera exposición en solitario en 1954.

Sin títuloLitografía original firmada
Prueba de Artista, sin fecha
65X48 cm

Alrededor de 1960, muestra sus obras en Londres, Berna y en la Bienal de Venecia, y posteriormente en Pittsburgh, Nueva York, Ámsterdam y Silkeborg. Tan pronto como su fama ha ido creciendo a nivel internacional, ha trabajado con Wallace Ting, siempre manteniendo estrechos vínculos con Christian Dotremont así como con André Breton.

Su reputación internacional continuó a lo largo de los años 70 y en el año 1983 entró como profesor de pintura en la Escuela nacional superior de Bellas Artes de París. En 1994 le fue concedido el título de

Doctor honoris causa de la Universidad Libre de Bruselas y un año después, en 1995 uno de sus diseños fue impreso en los sellos de Bélgica. Alechinsky vive actualmente en Bougival, Francia, donde sigue pintando y haciendo grabados e ilustraciones para libros.